Après t  u  m  u  l  u  s, François Chaignaud et Geoffroy Jourdain poursuivent leur exploration des chants funéraires de la Renaissance, en plaçant le public au centre de l’expérience. Dans cette proximité, les moindres signes – souffles, sueur, mouvements – deviennent matières sensorielles où le céleste et le terrestre s’entrelacent.

L’artiste Lina Lapelytė explore la performance par la musique, le son et les arts visuels. Conçue comme un rassemblement de centaines d’enfants et adolescents, cette nouvelle performance à grande échelle intitulée The Speech invoque la nature pour parler de relations et du care dans la Rotonde de la Bourse de Commerce – Pinault Collection.

Dambudzo est une œuvre vivante anti-genre de nora chipaumire, mêlant son, peinture, sculpture et performance. Poursuivant son exploration sur la dissonance entre connaissance et langage, propre à ceux éduqués sous contrôle colonial, l’artiste zimbabwéenne envisage de nouveaux mondes possibles. 

Amoureux du théâtre documentaire, Mohamed El Khatib s’empare d’un sujet de choix et de l’ombre : la vie sentimentale et érotique des « vieux ». Cousue d’audace et de tendresse, sa nouvelle pièce prend le contrepied des connotations qui collent à la peau de la vieillesse, en la percevant sous l’angle du désir. 

Faire entendre Les Quatre saisons de Vivaldi, utiliser les outils de la danse pour affiner l’écoute de ce chef-d’œuvre baroque : c’est le pari relevé par Anne Teresa De Keersmaeker, en collaboration avec le chorégraphe et danseur Radouan Mriziga. Une alliance placée sous le signe de l’abstraction, qui renoue avec l’imaginaire écologique du célèbre concerto.

Engageant les corps dans une oralité contemporaine, Soa Ratsifandrihana, le guitariste Joël Rabesolo et les performeuses et performeurs Audrey Mérilus et Stanley Ollivier se nourrissent de leurs récits diasporiques et de leurs origines pour raconter une histoire qu’ils auraient aimé entendre ou voir. Fampitaha, fampita, fampitàna – trois mots malgaches signifiant comparaison, transmission et rivalité – forment des déclinaisons dans lesquelles les interprètes glissent d’un état à l’autre et semblent suivre un mouvement en perpétuelle métamorphose. 

Comment le développement irrésistible de l’intelligence artificielle (IA) imprègne-t-il nos vies et nos comportements ? Dramaturge de la poésie du quotidien et des mouvements imperceptibles de la psyché, Kurō Tanino met en scène un monde où la technologie dévoile les profondeurs de notre inconscient.

Das atmende Klarsein inaugure le dernier style de Luigi Nono. Le maître vénitien y exalte la ruine de nos certitudes, une nouvelle écoute, faite de silences et de sons fragiles et inouïs, une attention à l’espace et au possible, toujours en chemin et où le chant est existence.

Le Festival d’Automne donne Carte Blanche au festival pluridisciplinaire tunisien Dream City, qui inaugure le premier Pavillon de la Commune. De la médina de Tunis à la ville d’Aubervilliers, Selma Ouissi, Sofiane Ouissi et Jan Goossens utilisent la création artistique comme nouvel espace urbain.

L’idée des « conférences non académiques » de Rabih Mroué est de détourner le principe de la conférence, en en imitant le dispositif, dans une perspective de performance. Il ne s’agit pas de traiter avec dérision son principe, mais plutôt d’exploiter le pouvoir de l’exercice en tant qu’adresse publique, en y opérant un glissement qui préserve à dessein son ambiguïté, passant de la présentation à la représentation, du réel à l’imaginaire. L’illusion est troublante, le ton est neutre, l’expertise semble avérée, les documents à l’appui du discours suggèrent l’authenticité : c’est le but du jeu, tour à tour malicieux, émouvant et intellectuellement stimulant. 

En novembre 2023, Angela Davis était l’invitée du Festival d’Automne pour une conversation avec Elvan Zabunyan croisant arts et activisme. Un an plus tard, le Crédac présente une exposition collective réunissant des archives d’Angela Davis, Audre Lorde et Toni Morrison.

Avec Figures, Dalila Belaza enquête sur la possibilité d’un rite universel, en inventant une danse traditionnelle imaginaire « sans origine ni territoire » qui relie le présent à l’éternité. Une force qui prend possession du corps, en écho à un patrimoine dont chacun est chargé, souvent inconsciemment.

L’idée des « conférences non académiques » de Rabih Mroué est de détourner le principe de la conférence, en en imitant le dispositif, dans une perspective de performance. Il ne s’agit pas de traiter avec dérision son principe, mais plutôt d’exploiter le pouvoir de l’exercice en tant qu’adresse publique, en y opérant un glissement qui préserve à dessein son ambiguïté, passant de la présentation à la représentation, du réel à l’imaginaire. L’illusion est troublante, le ton est neutre, l’expertise semble avérée, les documents à l’appui du discours suggèrent l’authenticité : c’est le but du jeu, tour à tour malicieux, émouvant et intel-lectuellement stimulant. 

L’idée des « conférences non académiques » de Rabih Mroué est de détourner le principe de la conférence, en en imitant le dispositif, dans une perspective de performance. Il ne s’agit pas de traiter avec dérision son principe, mais plutôt d’exploiter le pouvoir de l’exercice en tant qu’adresse publique, en y opérant un glissement qui préserve à dessein son ambiguïté, passant de la présentation à la représentation, du réel à l’imaginaire. L’illusion est troublante, le ton est neutre, l’expertise semble avérée, les documents à l’appui du discours suggèrent l’authenticité : c’est le but du jeu, tour à tour malicieux, émouvant et intellectuellement stimulant. 

Nous sommes en compagnie de figures du Body Art européen (Joseph Beuys, Orlan, Marina Abramović…) via leurs témoignages relatifs aux exhibitions et scarifications publiques pratiquées autour des années 1970. Parallèlement, intervient le récit d’un employé de bureau libanais relatant la tuerie véridique qu’il a perpétrée sur son lieu de travail, arguant de motivations fluctuantes.

C’est un road trip en forme de double portrait mettant en jeu deux destins : ceux de Gurshad Shaheman né en Iran, et Dany Boudreault au Québec. Auteurs, metteurs en scène et performeurs, les deux artistes se sont connus en Europe. Pour ce spectacle, chacun est parti sur les traces de l’autre.

Remplir ses poumons. Sentir des volumes qui se gonflent dans des directions opposées. Avec Rêche présenté au Panthéon, sept danseuses et danseurs rendent perceptible ce qui se joue dans nos corps lorsque nous respirons. Pour la chorégraphe Myriam Gourfink, ce mouvement vital absorbe nos peurs et convertit nos comportements les plus rudes en douceur.

Dans Como una baguala oscura, Nina Laisné s’associe au danseur et chorégraphe Nestor ‘Pola’ Pastorive pour dessiner un portrait musical et dansé de la pianiste argentine Hilda Herrera. En explorant les racines d’une musique populaire et folklorique, elle conçoit un spectacle résolument vivant, frappé du sceau de la liberté. 

Investissant les galeries du Centre Pompidou le temps d’un week-end, Mathilde Monnier propose avec Territoires un travail sur la mémoire et la circulation, comme « une collection de 30 ans de gestes issus de ses créations ». Une façon de faire jouer la mémoire au présent, dès maintenant, ou par anticipation.

Le cinéaste thaïlandais Apichatpong Weerasethakul est l’invité du Festival d’Automne et du Centre Pompidou. Il expose une dizaine d’installations vidéos qui transforme l’ancien solarium en un espace nocturne habité par les réminiscences biographiques et architecturales.

Apichatpong Weerasethakul présente la rétrospective intégrale de ses films au Centre Pompidou : ses huit longs métrages, la trentaine de films courts (et rares) qu’il a réalisés, des œuvres collectives ainsi que deux longs métrages dont il est le producteur.

En partant du pas de bourrée, Dalila Belaza creuse la part universelle de la relation entre l’humain, son territoire et nos réminiscences immémoriales. Dans une intensité tellurique hors du temps, elle construit une communauté liée par les rythmes, pour questionner altérités et états de transcendance. 

Entre spectacle musical et documentaire, Lola Arias signe une composition chorale dans laquelle six ancien·ne·s détenu·e·s évoquent leur vie pendant et après leur détention : six destins croisés qui interrogent les formes de violence dans la société contemporaine tout en explorant les marges de la fiction et du réel.

Si les performances de l’artiste sud-africain ont consisté jusque-là à s’exposer sur scène comme dans des espaces publics, cette fois Steven Cohen accueille dans un espace intime et réservé : un boudoir, chapelle ou refuge destiné à recueillir ses souvenirs autant qu’à faire se projeter les tortueuses mémoires du siècle.

Quelles voix nourrissent les pratiques artistiques ? En parallèle de l’exposition « Chantal Akerman. Travelling » présentée au Jeu de Paume, l’artiste Manon de Boer et la chorégraphe Latifa Laâbissi imaginent un espace dans lequel la voix et le geste cherchent à comprendre le sens des généalogies artistiques.

Exposant différents travaux des collectifs LIMINAL, Forensic Oceanography et Border Forensics, l’installation multimédia From Sea to Sky approche les immobilités intersectionnelles et violences frontalières en mer. L’objectif est de mettre en lumière la manière dont l’espace maritime méditerranéen a été transformé en une zone frontière militarisée. 

Zifzaafa est un mot arabe évoquant un vent qui secoue et ébranle tout sur son passage. Ici, il devient le titre d’une performance de l’artiste et chercheur Lawrence Abu Hamdan, qui mêle composition sonore, moteurs de jeux vidéo et spoken word. Il nous plonge au cœur d’un mouvement de résistance au colonialisme vert sur les hauteurs du Golan, territoire syrien occupé.

Seconde incursion du cinéaste thaïlandais dans le domaine de la performance, A Conversation with the Sun (VR) fabrique à l’aide de la réalité virtuelle les conditions d’un rêve collectif.

Écouter la ville et sa vie, dans un espace, celui d’une église, qui préserve a priori de ses rumeurs : tel est le projet de Clara Iannotta dans une installation électronique conçue pour l’acoustique de Saint-Eustache, à la riche tradition musicale, de Rameau à Berlioz.

Artiste, chercheur et performer, Lawrence Abu Hamdan révolutionne les arts visuels par le biais du pouvoir du son. Fondateur de Earshot, organisation à but non lucratif produisant des enquêtes audios pour la défense des droits de l’homme et de l’environnement, il a tenu pendant toute une année le journal de l’espace aérien anxiogène du Liban. Dans une création sonore signée par Moe Choucair, il livre une performance conjuguant bruits de fond et climat de violence.

Il y a des rencontres qui changent des vies. Marion Duval fait la connaissance de Cécile Laporte, une activiste et autrice à qui elle décide de dédier un spectacle. Une performance-vérité inspirante pour embrasser avec légèreté l’insupportable complexité du monde.

Observateur des mutations familiales marquant la société contemporaine, comme le montrent ses succès cinématographiques White God (2015), récompensé à Cannes, Pieces of A Woman (2019) ou Evolution (2021), le réalisateur et metteur en scène hongrois Kornél Mundruczó explore dans Parallax la notion d’identité entre affirmation sociale et espace de liberté.

Quels rapports entre la croissance de l’araignée, l’expérience sonore de la radiothérapie et les lumières ou les déclics d’anciens lecteurs de diapositives ? L’œuvre de Clara Iannotta, dont ce concert offre une traversée des dernières années, est un mode de connaissance de soi, une autobiographie où le son et le corps se nouent intimement.

Seul en scène, Thomas Quillardet déplie les histoires de patientes et patients côtoyés durant une résidence au sein du service addictologie d’un hôpital francilien. Une polyphonie de voix pour partager son empathie et radiographier nos liens. 

Trois femmes ressurgissent du passé grâce à trois historiennes contemporaines qui les ressuscitent en trois récits, dont s’empare l’actrice Jeanne Balibar pour en proposer une lecture jouée. Quatre femmes d’aujourd’hui posent un regard particulièrement éloquent et incisif sur trois destinées féminines emblématiques.

Tonnerre d’applaudissements ou vent glacial ? Selon Mohamed El Khatib, ce risque auquel se frotte le stand-up l’érige en art théâtral à part entière. Écrin des expressions les plus libres, il fraye la voie d’un rire transgressif, dans un espace cathartique et rassembleur.

Prolongeant une collaboration initiée en 2023, Jérôme Bel et Estelle Zhong Mengual mettent sur scène la pensée de Baptiste Morizot pour interroger notre place dans le monde vivant. Ensemble, iels imaginent le récit qu’une philosophe délivre à une enfant, découvrant des mondes ancestraux pour réinventer le monde.

Le chorégraphe iranien Sorour Darabi, résidant en France depuis 2013, dévoile son premier opéra, une performance déambulatoire qui donne la place aux voix marginalisées par les anciens mythes. Une pièce créée par et pour des corps engagés.

Un trio s’adonne à des proférations viscérales, un chœur extravagant, soutenu par une partition complexe de sons et lumières. Chaque séquence surgit, rebondissant sur une liaison impromptue, développant une nouvelle thématique, constats désemparés, souvenirs, hommages, visions apocalyptiques, observations intimes, expériences inavouables.

Le metteur en scène Maxime Kurvers poursuit son travail d’anthropologie théâtrale en confrontant l’actrice Yuri Itabashi à l’interdiction qui lui est faite par la tradition d’interpréter Okina, pièce et rituel du théâtre nō. Ou comment, par l’imagination, embrasser ce qui lui est refusé.

Pour sa première pièce de groupe, la chorégraphe Katerina Andreou trouve son élan dans la confusion et le bruit constant du monde. De cet état mental et émotionnel émergent du jeu, de l’absurdité, de la fiction et de la poésie. 

Ni tout à fait terre ni entièrement eau, la boue incarne pour Ali Cherri un territoire liminal, fertile pour l’imagination, défiant les limites de notre perception. Aux côtés d’écrivains anglophones et arabophones, l’artiste pluridisciplinaire nous guide dans les méandres d’une performance musicale et poétique où la boue est à la fois matériau et mémoire.

Comment présenter l’adaptation d’un célèbre film de cinéma à la censure libanaise ? L’on devinera qu’il s’agit d’un film qui raconte la rencontre improbable de deux êtres très dissemblables subissant une aliénation sociale dans l’Italie fasciste de 1938. L’adaptation se situe à Beyrouth en 2007, peu après une attaque israélienne sur le Liban.

Vaiva Grainytė, Lina Lapelytė et Rugilė Barzdžiukaitė s’intéressent à la vie intérieure des caissières. « Bon après-midi ! », « Merci ! » : l’opéra Have a Good Day! – créé avant Sun & Sea présenté en 2023 au Festival d’Automne – observe ce qui se cache derrière ces automatismes et les gestes tout aussi convenus qui les accompagnent.

La chorégraphe Ligia Lewis poursuit avec Still Not Still sa réflexion sur les silences et les zones d’ombres de l’Histoire. Dans cette pièce, les interprètes rejouent en boucle une partition dont la dimension burlesque ne fait que souligner le tragique.

La chorégraphe Eszter Salamon, poursuit sa série des Monuments avec une extension de sa pièce M/OTHERS (2019), explorant son lien avec sa mère et la construction intime des corps. Lenteur, toucher et filiation redessinent un cadre éthique et sensoriel de notre intimité collective.

Quatrième opéra de deux orfèvres, l’un du verbe, l’autre du son, Martin Crimp et George Benjamin, Picture a day like this est un conte universel, aussi irréel que gorgé d’émotions, une fable empreinte de magie sur la nature humaine et la découverte de soi.

Premier opéra du cycle Licht (Lumière), auquel Karlheinz Stockhausen consacra vingt-cinq ans de sa vie, Donnerstag (Jeudi) est le jour de l’archange Michaël, de sa jeunesse, de son voyage autour de la terre et de son retour. C’est aussi le temps, bouleversant, de l’autobiographie, dans une spirale qui mène aux étoiles et à l’harmonie de l’univers

Figure importante de la scène théâtrale japonaise, Toshiki Okada sonde les mécanismes et symptômes de notre société. Sa nouvelle pièce The Window of Spaceship ‘In-Between’ aborde les questions de l’éloignement et de la définition de l’humain, mêlant science-fiction et poésie dans le huis clos d’un groupe en expédition spatiale.

Dans un dispositif original, Émilie Rousset et Maya Boquet mettent en scène témoignages et archives issus d’un événement crucial dans l’avancée des droits des femmes. En cheminant parmi quinze interprètes, chaque spectateur construit son propre parcours de réflexion sur le sujet et ses ramifications actuelles, mais aussi sur le processus même de la représentation.

Pour la troisième année consécutive, le Festival d’Automne poursuit son partenariat avec le Musée du Louvre, développant ensemble une collection de performances contemporaines inédites dédiées au musée et à ses œuvres. À l’occasion de l’exposition « Figures du Fou. Du Moyen-Âge à la Renaissance », qui explore la valeur subversive de l’insensé dans la société médiévale, le danseur et chorégraphe François Chaignaud présente Petites joueuses, une pièce en forme de parcours immersif et continu dans le Louvre médiéval ou des créatures mutantes et résonnantes investissent ses fortifications, et forment un troublant carnaval. 

Fabien Gorgeart adapte la force romanesque du roman Les Gratitudes signé Delphine de Vigan. Elle y raconte la fin de vie de Michka et ses mots qui peu à peu se perdent. Malgré le vertige du silence à venir, la protagoniste noue une relation avec Jérôme, son orthophoniste et plonge alors dans les méandres de son passé.

Reconnue pour ses chorégraphies minimalistes et envoûtantes, Nacera Belaza poursuit son exploration du cercle et du rythme initiée avec Le Cercle (2019) et L’Onde (2021), pièces marqueurs de son langage chorégraphique. Après une première étape de création à Bruxelles en mai 2024, la chorégraphe prolonge le processus de création de La Nuée en invitant dix nouveaux interprètes au plateau. 

Fernando Pessoa est le héros de cette nouvelle création de Robert Wilson. Un héros paradoxal puisque le poète portugais a passé sa vie à se démultiplier inventant des hétéronymes, auteurs fictifs auxquels il attribuait des œuvres écrites de sa main, imaginant même des relations, amicales ou de maître à disciple, entre ses différents avatars.

Émilie Rousset et Louise Hémon reviennent avec leur spectacle Rituel 5 : La Mort, créé lors de l’édition 2022 du Festival dans le cadre du dispositif Talents Adami Théâtre. Elles décortiquent, avec l’humour qu’on leur connaît, les croyances et représentations liées à la mort, les rituels et pratiques funéraires.

À la croisée du théâtre et du stand-up, le premier spectacle du plasticien Mohamed Bourouissa met en scène le parcours de vie et les transformations d’une femme incarcérée. Sans surplomb, ni pathos, la pièce déjoue par l’humour le caractère plombant de ce dont elle témoigne.

Un an après la création d’IRIS à la piscine de la Butte-aux-Cailles, commande du Festival d’Automne dans laquelle il explorait le répertoire polyphonique italien, Alessandro Sciarroni présente U. (un canto), une performance musicale qui évoque la relation profondément mystérieuse entre l’être humain et la nature.

Comme dans une descente aux enfers, Carolina Bianchi expose l’horreur inexprimable des violences sexistes, en plongeant dans un espace entre-deux où la mémoire est trouble. En mettant son corps en jeu, elle s’ancre dans l’histoire de la performance féministe, avec un regard critique, sur les pas de l’artiste Pippa Bacca.

S’inspirant de formes traditionnelles japonaises, la dramaturge et metteuse en scène Satoko Ichihara crée un théâtre de marionnettes d’aujourd’hui : un monde trouble où la nature ambiguë des poupées est au centre du récit. Dans ce conte moderne, solitude, souffrance et sexualité sont les moteurs de pantins que la faiblesse rend toujours plus humains.

Chef-d’œuvre de la littérature sud-coréenne, La Végétarienne dessine, à travers un portrait de famille, une vertigineuse cartographie de violences – physiques, psychologiques, politiques. Daria Deflorian et ses complices de scène exsudent de la puissance du texte la substance d’un élixir théâtral. 

Révélée par Ryūichi Sakamoto, Kakushin Nishihara emmène le biwa – ce luth à manche court emblématique de la tradition musicale japonaise – vers des horizons insoupçonnés. Sa présence intense transforme chacun de ses concerts en cérémonie quasi chamanique.

Présentés au sein d’une même soirée, Biokhraphia et Riding on a cloud interrogent l’autoportrait. Dans Riding on a cloud, un homme appelé Yasser se confie à un dictaphone, projette des vidéos et diffuse des enregistrements, tout en émet-tant des réserves sur la conformité de ces documents avec sa véritable personne. Dans Biokhraphia, c’est Lina Majdalanie qui se prête à une très insolite interview.

Présentés au sein d’une même soirée, Biokhraphia et Riding on a cloud interrogent l’autoportrait. Dans Riding on a cloud, un homme appelé Yasser se confie à un dictaphone, projette des vidéos et diffuse des enregistrements, tout en émet-tant des réserves sur la conformité de ces documents avec sa véritable personne. Dans Biokhraphia, c’est Lina Majdalanie qui se prête à une très insolite interview.

Avec Atlas/The Mountain, le chorégraphe marocain Radouan Mriziga transforme son corps en catalyseur des énergies et des traditions issues des montagnes de l’Atlas, dans un solo en forme de rituel, traversé par des figures polymorphes et des rythmes envoûtants.

Ce spectacle, inspiré de l’œuvre de Marcel Pagnol, explore le thème de l’évasion. Certains des comédiens ont découvert le théâtre à la maison centrale d’Arles. Marius offre une occasion unique de découvrir une dimension peu connue mais cruciale de l’art de Joël Pommerat.

C’est à Taïwan que nous embarque le metteur en scène voyageur de Rimini Protokoll, Stefan Kaegi, avec trois performeurs natifs et résidents de l’île. Dans ce spectacle où l’action filmée en direct nous entraîne dans les méandres d’un décor miniature, la fiction pointe une réalité géopolitique ubuesque.

Marcus Lindeen et Marianne Ségol interrogent la notion de mémoire en restituant quatre histoires parfaitement extraordinaires, mais bien réelles. Dans leur théâtre où les paroles personnelles s’échangent et se nourrissent, ils inventent une œuvre singulière, aussi scrupuleuse que philosophique.

Après Consul et Meshie, Latifa Laâbissi et Antonia Baehr ont conçu un duo comme une série de séquences hétéroclites, tissées ensemble par le fil de l’impur, de l’hybridation et du collage. Mélangeant leurs vocabulaires respectifs – le rapport à l’expressivité du visage, au travestissement des genres, des registres, Laâbissi et Baehr entrelacent leurs univers au fil de numéros qui dynamitent les codes chorégraphiques et brouillent les pistes.

Figures emblématiques d’une vision fantasmée du Japon, les geishas exercent un métier souvent méconnu, de surcroît en train de disparaître. Par-delà les stéréotypes, quelle est la réalité de leur pratique ? Dans cette performance documentaire, Shingo Ōta et Kyoko Takenaka partent à la recherche des dernières geishas de l’archipel nippon.

Trois œuvres, sur trois siècles, pour dire le souci de soi, la quête incessante de nouveaux langages, la crise et le renouveau, l’errance constitutive de nos vies et le paysage où chaque point, pareillement éloigné du centre, se révèle à un voyageur qui y circule sans y avancer.

Le duo Lina Majdalanie et Rabih Mroué présente deux « conférences non académiques » et un concert-performance cosigné avec Rima Khcheich. Ce concept, déjà fréquemment expérimenté par Rabih Mroué, consiste en des exposés adoptant le dispositif d’une conférence tout en s’autorisant la liberté d’une performance, jouant à dessein sur l’ambiguïté inhérente à ce détournement. S’y adjoint pour la première fois une proposition de poèmes mis en musique.

Pièce de rupture aux yeux de Jan Martens, VOICE NOISE réunit six danseurs et danseuses pour façonner un paysage sonore composé de quelques-unes des grandes interprètes et compositrices de notre temps. Se demandant comment certaines ont été réduites au silence, le chorégraphe questionne à sa façon, pop et précise, une histoire contemporaine. 

À l’occasion de cette nouvelle création intitulée Inconditionnelles, Dorothée Munyaneza met en scène sa traduction en français de la pièce ardente de Kae Tempest, Hopelessly Devoted (2015). Iels explorent les interstices où l’amour et la connexion abondent. 

Claudia Triozzi propose dans Pour rien mais dans le bon sens une expérience performative qui poursuit la démarche de « transmission par le corps » qu’elle explore depuis 2011, une recherche qu’elle a pu approfondir cette année dans le cadre d’une résidence à l’hôpital proposée par le Festival d’Automne.

Bâti sur un paysage de détritus, Skinless est un éden désenchanté mis en scène par le plasticien Théo Mercier. Dans ce panorama de la fin du monde aux dimensions XXL, un couple hors normes s’aime et se déchire sous la surveillance d’un tragique observateur.

Qui est Diyaa Yamout, militant des droits de l’homme, artiste et blogueur libanais dont le suicide agite le pays ? On ne le saura pas vraiment et cela n’a pas d’importance. Ce qui fascine ici ce sont les réactions foisonnantes et hétéroclites qui défilent sur Facebook, à la télévision, par sms ou sur répondeur. 

Investissant, pour le théâtre, le territoire peu exploré de l’affection queer, le duo Cade MacAskill part du conte de Collodi pour raconter la transition de genre et ses répercussions dans le couple. The Making of Pinocchio apparaît comme un manifeste burlesque pour les formes en construction.

Prenant appui sur les phénomènes de dégénérescence stellaire, Maud Blandel explore le souvenir confus d’un événement autobiographique tragique. Libérant l’émotion, et parfois même des bouffées d’humour, L’œil nu interroge notre perception de ce qui chute en nous et autour de nous.

Le duo Lina Majdalanie et Rabih Mroué présente deux « conférences non académiques » et un concert-performance cosigné avec Rima Khcheich. Ce concept, déjà fréquemment expérimenté par Rabih Mroué, consiste en des exposés adoptant le dispositif d’une conférence tout en s’autorisant la liberté d’une performance, jouant à dessein sur l’ambiguïté inhérente à ce détournement. S’y adjoint pour la première fois une proposition de poèmes mis en musique.

Vaste, opulent, babélique carnet imaginaire, résultant des voyages de Heiner Goebbels à travers le monde, A House of Call est une somme de sons, de styles, de langues, de cultures et de voix. Voix de vivants et de morts, enregistrées depuis un peu plus d’un siècle, et dont l’orchestre répond aux grains, renouvelant une séculaire tradition de l’art responsorial.

La compagnie menée par Tim Etchells fête ses quarante ans d’existence et n’en finit pas de se renouveler. Plongés dans une réalité virtuelle qui vacille, six comédiennes et comédiens se voient dépossédés de leurs voix, et de leur être. C’est à ne plus rien y comprendre… Bienvenue dans ce nouveau monde.

Mise en espace par Romeo Castellucci, la symphonie Résurrection de Gustav Mahler semble prendre toute sa grandeur tragique. Pour magnifier cette œuvre monumentale dirigée d’une main de maître par Esa-Pekka Salonen, le metteur en scène italien nous offre un funèbre « chant de la terre » dont on ne ressort pas indemne.

Pour la première fois, Robyn Orlin rencontre l’emblématique compagnie sud-africaine Garage Dance Ensemble, qui pratique une danse-théâtre engagée pour l’égalité et la justice sociale. Avec les interprètes de la région Nord-du-Cap, elle crée une performance débridée qui interroge les origines de la violence sociale. 

Comment travailler la violence ? Comment la mettre en perspective, en scène et en récit ? Comment la mettre en pièces ? Durant ces deux journées de rencontres, proposées par la philosophe Elsa Dorlin, il s’agit de mettre à jour ce que nous apprennent les critiques de la violence et de faire l’inventaire des armes amassées.

Comment une vie peut à la fois s’inventer, se comprendre et se raconter. Comment Simone de Beauvoir, née en 1908, a été autrice et chroniqueuse de son existence. Et quel genre d’énergie, quel type de combativité suppose la liberté ? Avec Les Forces vives, Animal Architecte signe une fresque passionnante et étonnante sur le parcours de l’écrivaine.

Le duo Lina Majdalanie et Rabih Mroué présente deux « conférences non académiques » et un concert-performance cosigné avec Rima Khcheich. Ce concept, déjà fréquemment expérimenté par Rabih Mroué, consiste en des exposés adoptant le dispositif d’une conférence tout en s’autorisant la liberté d’une performance, jouant à dessein sur l’ambiguïté inhérente à ce détournement. S’y adjoint pour la première fois une proposition de poèmes mis en musique.

Six voix s’élèvent, portant avec elles les récits captivants de six hommes et femmes, âgés de 30 à 60 ans, confrontés à l’incarcération. Leur parole, habituellement confinée dans l’enceinte des prisons, trouve une scène au Théâtre des Bouffes du Nord.

Partant du constat qu’un corps noir est de fait exposé au danger de l’expropriation, soit du vol de lui-même, Calixto Neto tente de résister sur scène au contrôle extérieur et au risque d’annihilation. Dans cet exercice de ventriloquie, le chorégraphe brésilien cherche les mots pour en écrire la danse. 

En 1947, a lieu aux États-Unis le procès du dramaturge allemand Bertolt Brecht devant le Comité des activités anti-américaines (HUAC) chargé de lutter contre l’activisme communiste. Dans ces circonstances, Brecht avait rédigé une déclaration qu’il lui fut interdit de lire. Les minutes du procès, ainsi que cette déclaration, constituent l’un des axes de ce spectacle foisonnant.

Nul pantin dans cette création grand format de la marionnettiste Alice Laloy, mais des humains transformés en avatars et jetés sur un ring pour s’affronter lors de matchs de plus en plus violents. Une mise en abyme qui, entre le rituel de catch et le scénario inspiré des jeux vidéo, nous invite à interroger les limites d’une société aux ordres.

Depuis le Nordeste brésilien, le chorégraphe Marcelo Evelin invite à pénétrer une forêt métaphorique et sa condition écologique. Guidés vers le chant du légendaire Uirapuru, oiseau rare et menacé, six interprètes incarnent à travers une danse minimaliste, la promesse de découvrir ce qui est et se dérobe encore à nos sens.

Performance hybride associant texte, musique, vidéo et robotique, Haribo Kimchi embrasse la cuisine sud-coréenne dans une réflexion sur l’assimilation culturelle, ses tensions et paradoxes. Jaha Koo file ainsi des questionnements amorcés avec sa trilogie Hamartia.

Alliant musique et performance, la compagnie Fanny & Alexander aborde la voix humaine dans Nina à travers la technique de l’hétérodirection. La soprane Claron McFadden incarne la figure mythique de Nina Simone, transmettant ainsi l’énergie singulière de celle qui voulait être « la première pianiste noire. »

À partir de Hewa Rwanda – Lettre aux absents publié aux éditions JC Lattès, Dorcy Rugamba, comédien, auteur et metteur en scène, donne vie à un extrait de cet ouvrage, 30 ans après le génocide au Rwanda.

Deux ans après le Portrait qui lui a été consacré au Festival d’Automne, Marlene Monteiro Freitas pirate le match : munis d’un unique dossard n°3, vingt-cinq virtuoses dérèglent le score, se mesurent au grotesque et plient le game. L’excentrique chorégraphe transmet au Ballet de l’Opéra de Lyon cette joute des temps hybrides, fresque carnavalesque où l’humain, l’animal et la machine tendent à se confondre.

C’est au balbutiement de son parcours artistique que Sébastien Kheroufi découvre Par les villages, de Peter Handke qui évoque le retour d’un écrivain dans son village natal. Dans ce contexte crépusculaire où un univers décline au profit d’un autre, s’élèvent les voix des « offen-sés et humiliés » qui autrefois se taisaient.

Pleine de poésie, traversée d’éclats mystérieux et exaltant une plasticité qui modèle le geste instrumental et électronique, la musique de Jérôme Combier ouvre notre écoute aux détails du monde et à leurs subtiles mutations. Strands, sa dernière création, noue ainsi des relations avec l’animal et le végétal, tissant des fils à l’image d’une toile d’araignée.

À l’invitation exceptionnelle du Festival d’Automne, la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker et le metteur en scène Rabih Mroué ont partagé pendant 10 mois leurs pensées, inquiétudes, doutes, et questions sur la politique, l’art et la vie. À l’issue de ces nombreuses rencontres virtuelles, les deux artistes se rencontreront sur le plateau de l’ancien complexe industriel de la Fondation Fiminco pour redessiner, le temps d’une performance, un nouveau monde en commun.

Sur le fil est une tentative d’échapper à soi, à travers une acceptation infinie et le dépassement des frontières du corps. La chorégraphe Nacera Belaza fait précéder sa pièce emblématique d’une réduction, confiée à des enfants de Bobigny et de Paris. De l’adulte à l’enfant, de la professionnelle à l’amateur, de ce même geste, que voyons-nous ?